02/18/17

Rencontre: L’un l’autre – performance, conférence et conversation

l'un l'autre Art science 28 02 2017

Bonjour à tous! J’ai le plaisir de vous annoncer ma participation à la rencontre à Nantes le 28 février! Dans le cadre de l’exposition en cours « L’UN L’AUTRE » (le catalogue téléchargeable sur le site de Lotokoro: http://lokotoro.org), j’interviendrai pour une conférence sur l’art médical, notamment la question posée sur l’utilité de l’art dans les champs « outsider », suivie par la conversation avec Euloge Ekaza, Florian Gadenne et Jérémy Segard. Cette journée débutera par la performance de Florian Gadenne, intitulée « micro-individus ».
Venez nombreux, je serai ravie de vous voir !
2月28日にナントで行なわれる、現在開催中展覧会L’UN L’AUTRE関連イベントでカンファレンスをします。テーマは、医療とアート(あるいは医療アート)、とりわけ、アートが言ってみれば門外漢であるようなコンテクストで表現を期待されるとき、アーティストとアートの役割は何なのか、アートの有用性に関して考察したいと思っています。当日は、florian gadenne(フロリアン・ガデン)のパフォーマンス「ミクロ・インディビジュアル」(micro-individu)で始まります。
ナント近辺にお知り合いのいらっしゃる方々、どうかご宣伝いただけましたら幸いです。よろしくおねがいします。

IRS2 – Nantes Biotech
22 Bouleverd Benoni Goulin – Nantes
L’UN L’AUTRE
le mardi 28 février 2017

14h – « micro-individus »
Florian Gadenne – Artiste
Performance en Salle de culture n° 318 – 3ème étage

14h30 – « Art médical ? »
Enjeux des approches artistiques
pour l’exposition dans un institut de recherche
Miki Okubo* – Ph.D : Esthétique et arts plastiques
Salle de réunion n°1 & 2 – Rez-de-chaussée NBT

15h30 – « Conversation »
Euloge Ekaza – Manager du projet ARMINA
Florian Gadenne – Artiste

Miki Okubo – Ph.D : Esthétique et arts plastiques
Jeremy Segard – Artiste, président de Lokotoro

Lotokoro: http://lokotoro.org
Florian Gadenne: http://floriangadennecom.over-blog.com
Exposition L’un l’autre: http://lokotoro.org/index.php/projets-en-cours/l-un-l-autre

02/18/17

Nyotaku – empreinte des femmes nues, colloque international: Corps et décors. Avatars de la philosophie du corps entre Orient et Occident

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Miki OKUBO (Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis) : Nyotaku – empreinte
des femmes nues : esthétique de la corporalité japonaise par rapport à Femme
en bleu d’Yves Klein

Nyotaku – empreinte des femmes nues : esthétique de la corporalité japonaise par rapport à Femme en bleu d’Yves Klein
Miki Okubo
Chargé du cours à l’Université Paris 8, Arts Plastiques
Chercheur attachée à l’équipe de recherche TEAMeD (Théorie Expérimentation Arts Médias et Design, Arts, images et Art contemporain, à l’Université Paris 8

Résumé :
Dans mon intervention, j’analyserai la corporalité japonaise vue dans une performance-vécu intitulée Nyotaku des points de vue esthétique, culturel et sociologique. Une compréhension très présente concernant les expressions artistiques et la conscience corporelle dans la performance met en lumière l’esthétique du corps en Asie en opposition avec celle de l’Occident. La corporalité asiatique souligne l’importance de l’intuition, du souffle et de l’énergie intérieure (气 ou Qi en chinois) car l’expression physique ne se limite pas à la maîtrise physique ou à la technique fondée sur les acquis théoriques tandis qu’en Occident le corps est discipliné, perfectionné et censé d’exprimer des acquis techniques et théoriques, afin d’accomplir ses enjeux artistiques. Cette simple explication s’appliquait historiquement à la comparaison de deux importantes œuvres dont le procédé semble « similaire » : Nyotaku de Shozo Shimamoto et Femme en bleu ou Anthropométries d’Yves Klein.
Shozo Shimamoto (1928-2013), un des fondateurs de Gutai (un mouvement artistique d’avant-garde japonais fondé en 1954), réalisa Nyotaku dans les années 1990. Il s’agit de l’empreinte des femmes nues sur un papier ou un tissu. Pour prendre cette empreinte du corps, ce sont les femmes-participantes nues qui se mettent volontairement dans l’encre noire. Nyotaku se compare à la célèbre performance d’Yves Klein (1928-1962), Femme en bleu, (1960), dans laquelle les femmes peintes en bleu sont sévèrement dirigées, voire instrumentalisées, par l’artiste lui-même dans tous les détails tant de leur posture de leurs mouvements. La différence entre ces deux œuvres est fondamentale pour refuser une hypothèse naïve : Nyotaku est une appropriation de Femme en bleu ou une variation japonaise du fait de leur approche semblant « similaire ». Leur présentation complétement différente témoigne également de leurs propres esthétiques sur la corporalité et les enjeux artistiques.
Dans cette présentation, à travers l’observation des travaux artistiques, notamment Nyotaku, je voudrais poser la question de la véritable signification des esthétiques et de la corporalité japonaise afin de mieux comprendre la phénoménologie du corps et des sciences cognitives dans l’expression artistique.

01/13/17

conference : miki okubo & florian gadenne vol.2

本記事は、12月28日および12月30日に大阪の日常避難所511において開催された、miki okuboとflorian gadenneによるカンファレンスの報告(後半)です。講演前半においては、florian gadenneの制作においてキーワードでもある »flânerie »(そぞろ歩き)に関して、またそぞろ歩き的思考によって可能となる表現の模索が主題となり、Robert Filiouや谷崎潤一郎、Francis Pongeらの思想からの引用を紹介しながら、考察を行ないました

講演会の後半では、このような制作の背景を踏まえた上で、具体的に作品とそのコンセプトを解説しながら、「モノの記憶」、「身体の記憶」、「物々交換」、「動物―植物ー無機物間のインタラクション」という主題について考察しました。

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Objets cultes 

« Culte »は、宗教的な「カルト」である以前に第一義的に、崇拝や敬愛を表す。Objets cultesはしたがって、モノに対する崇拝、あるいは注意を払われるべき物に関する一連のコレクションである。関心を向けるのは、我々が普段思いを寄せることすらほとんどない道具のくたびれた様子だとか、使用によってほころびた状態、人々のエネルギーが物体に何らかの変化をもたらした形跡や、時間の経過をそのヴォリュームに留めた数えきれない「オブジェ」たち。

たとえば摩耗しきったスコップや、人々の流れを記憶に留めるメトロの出口(最も人が通るドアの表示がすり減っている)、歩き方のクセが現れる靴の底や、画家が筆を洗い続けたことによって穴の空いた石けん。それらのオブジェは、何らかのエネルギーを受けて、変形したり摩耗したり本来の機能を失ったりしている。

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*「物々交換」の実践

« flânerie »(そぞろ歩き)の二つ目のシチュエーションに、se perdre(道に迷う)があった。宛もなく歩き、見知らぬ人に出会う。目的地への最短ルートを急ぐことと対極にある、彷徨い歩いて見知らぬ人々と出会って会話をするような行為。Objets cultesとしてコレクションされている物には、アーティストがオブジェの持ち主と交渉して物々交換した物が幾つも含まれている。アーティストは持ち主に、くたびれたオブジェを模倣して作ったレプリカあるいはオブジェの弱点を修正して作った補強されたレプリカとオブジェを交換してくれないかと提案するのだ。「物々交換」については、またの機会に焦点を当ててじっくりと考察してみたい。

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Expérience hasardeuse

偶然的体験は、化石や動物の骨の鋳型、絵の具の軌跡、動物の骨や奇妙な環境下に栽培された植物などを含む。このコレクションは、インスタレーションとして展示された。

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Chitine-kératine-céllulose

chitineは生き物の抜け殻を構成しており、kératineは髭や爪のような死んだ表皮細胞を構成している。アーティストは、蝉の抜け殻をコレクションした。蝉の種類にもよるが、一般に知られているように、蝉は成虫としては非常に短い期間だけを生き、それ以外の生の大半は、脱皮をしながら木の中で過ごす。アーティストはこれについて、木と蝉の一生のアナロジーを見いだし、インスタレーションとして展示した。また、2013年より三年間、12ヶ月ずつ髭を伸ばし続け、各年のケラチン質をラボラトリーで分析するために保存している。ケラチン質は、食生活や生活環境、ストレス状況など心身の状態を反映する他、金属(水銀、銅など)や放射能の影響を受けることが知られている。生の記憶が身体から切り離された形で、解読を待っている。

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cellule babélienne

“ alors que les hommes parlent plusieurs centaines de langues (en diminution avec le temps), le code génétique, le langage de la nature qui traduit les gènes en protéines, est le même partout. le langage génétique, fondé sur l’arn et l’adn, a émergé de la babel chimique des temps archéens.”

バベルの塔としての細胞は、デッサン、石彫刻など多様な作品形態をとりうる、バベルの塔という一つのコンセプトを共有する作品群である。人類は世界中で異なる言語を話すにもかかわらず、遺伝子のコード、つまりは塩基配列のパタンが基本構造となっている遺伝情報を翻訳する「自然の言語」は異なる言語を話す人々の間でも共通なのである。遺伝子言語は、RNAおよびDNAに基づいていて、それは太古から変わらない化学のバベルの塔を形成する。
lynn margulis et dorion sagan – “l’univers bactériel” – p.57. ed. albin michel 1986.

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デッサンは、50cm×60cmのものと、さらにカオティックで複雑なバベル的細胞の建造物を表した2m×1.5mの巨大なデッサンがある。石彫刻では、植物―動物ー無機物のインタラクションが象徴的あるいは物理的に実験されており、2015年より生き続け、現在も変化し続けている作品である。

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miki okuboとflorian gadenneによるカンファレンスの報告(後半)をお読みくださって有難うございました。十分に言及できなかった「物々交換」や「禅」的思想と表現の関係については、また番外編で掲載したいと考えています。

フェイスブック、Twitterやブログを通じて、もしご質問やコメントがあればどんどん声をかけてくださいね。

最後に、今回企画を引き受けてくださった日常避難所511リーダーの田中さん、28日オーガナイズを中心にしてくださったみゆきちゃん、30日の段取りをたくさんしてくれた阿曽沼くん、またお料理や設営などたくさんお仕事をしてくださった皆々様、お越し下さった皆様、本当に有難うございました。 miki okubo & florian gadenne

florian gadenne :  http://floriangadennecom.over-blog.com
miki okubo :  http://www.mrexhibition.net/wp_mimi/

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08/2/16

応用哲学学会サマースクール:装うことのモダリティ:身体意識を変容するファッション、表象するファッション

装うことのモダリティ:身体意識を変容するファッション、表象するファッション

 

 今日私たちが纏うこと、あるいは脱ぐこと。それはもはや単なる「衣服の着脱」を意味しない。ある衣服は我々の身体を物理的に変形し、別の衣服はこれを抽象的に作り替える。ある人はファッションを自己表現の手段と見なし、別の人は無意識的にそのファッションの持てる身体意識を表す。私たちの身体意識は、ファッションによって変容し、これを通じて表象される。本講演では、普遍的テーマである「装うことの意味」を、メディア化された現代社会における状況とそれによってもたらされる特徴的な身体様態に焦点を当てて考察することを試みる。今日私たちの肉体と「装う行為」は、どのように共鳴しているのだろうか?

 
纏うことを哲学する応用哲学学会サマースクールにおいて、8月31日講演します。纏うことと身体意識に焦点を当て、身体意識を変容するファッション、表象するファッションに関してのお話をしたいと思っています。関西の方、テーマにご関心があられる方、ぜひお越し下さい。

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08/2/16

The modality of contemporary narratives in the digital era

I share another presentation I did in the 20th International Congress of Aesthetics, Seoul National University, on 27th july 2016.
This study concern the act of writing via digital devices such as smartphone or social networking platform such as blogs. I focus on its objectives and utilities or positive impacts on the contemporary society.

If you are interested in the topic and in discussing further more, please contact me (garcone_mk atmark yahoo.co.jp). I will be happy to make collaborative projects or possible experimental works.

Abstract:
The modality of contemporary narratives in the digital era
Miki OKUBO

Narratives written not only by artists but also by amateurs have never been so easy to carry out, exhibit and share. Individual engagement in writing personal narratives has become a mundane, commonplace undertaking. We have a vast array of means available to realize our intimate storytelling, including traditional and modern medias and advanced technologies: keeping a diary or a blog, writing a novel (either traditionally or for Twitter or Smartphones), making notes on Facebook then sharing them with “friends”, “tweeting” frequently via Twitter, creating a visual novel, and so on.

Despite this ease of access to platforms and the disposition of media, authors have no chance of becoming a celebrated author. In our highly information-oriented society, it is extremely difficult for individuals to manage to have their writing read by numerous readers. That is why today ordinary people engage in excessively intimate writing (about family situations, love, illness or mental affliction, etc.) without causing a scandal, making a strong impact nor even embarrassing others. Determined confessions are viewed with indifference by others. All that these ordinary “authors” can expect to gain through their personal, self-centered writings is a kind of auto-therapy or satisfaction for their human narcissistic desire.

In this study, we also observe an important current trend in narrative structure. As Hiroki Azuma mentioned in his book, The birth of realism like games (2007), contemporary literature has been gravely influenced by video games or online games and shares several characteristics: emphasizing characters’ presence, recycling repeatedly stereotypical scenarios, combining fragmented scenes. The novels have been written similarly to games, adopting their dramaturgy and staging. In other words, the changes undergoing modern writing concern not only ordinary, individual people but also the literature domain. The influences are complementary to each other; literary works and digital writing.

Through my presentation, I will construct a new aesthetic theory of contemporary narratives in the digital era, referring to what we observe on the Internet through different realizations via new media in order to understand the utility and the signification of the act of writing.

Keywords: digital, writing, blogs, social media, character, twitter novel, keitai culture, narrative.

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08/2/16

Aesthetics of “robotized body” in the representation of Aidoru’s (popular singers’) costumes

Here I share the abstract of my presentation I did in the 20th ICA july 2016 about the robotized costume regarding of the recent trend of body consciousness. If you are interested in the topic, you are very welcome to contact me for further discussion! (to garcone_mk atmark yahoo.co.jp)

The 20th International Congress of Aesthetics, July 24-29 2016, Seoul National University
Intervention by Miki OKUBO, 26 july 2016

Abstract:

Aesthetics of “robotized body” in the representation of Aidoru’s (popular singers’) costumes
MIKI OUBO

In the new media environment developed over these past few decades, our body consciousness, from ontological, aesthetic and sociological points of view, has been radically modified. Throughout diverse experiments (virtual reality, augmented reality, video games, simulation, avatars, etc.), our body image today differs vastly from that of previous eras. Cyborgs, humanoids and humanlike-robots that were classic imaginations of SF films have become real thanks to advanced technologies.

In my presentation, I would like to investigate one emerging “ideal body” trend in our mass cultural environment. The observation of costumes of popular singers called “Aidoru” will allow us to understand what human beings consider “an ideal” body shape.

“Aidoru” is a Japanese word meaning “young star singer(s).” These performers, strategically staged commercially since the 1970s, are characterized by their particular style of dance, music and costume. One pioneer example of Aidoru wearing a robot-like costume is the female duo, Pink Lady, popular in the second half of 1970s. The metallic colored costume for one of their hits, UFO, featured mechanized body traits reminiscent of a spacesuit. We can also think of cone-shaped bra designed by Jean-Paul Gaultier for Madonna in the 1990s, which brings to mind a strange humanlike robot. As for a more recent example, the dance style of trio Pahyumu (Perfume, is characterized by unique, inhuman, and unnatural mannequin-like movements. Their costume also resembles spacesuits and their music is electro. There is no need to look for particular singers specifically oriented to the robotic style, this costume trend is shared by a large number of Aidoru.

This trend of aspiring towards a robotic-like body is worrisome. It doesn’t just signify an appreciation for simple physical imitation of cyborgs through costume games, but ontological pursuits of self-image. Analyzing these costumes will help us understand the signification of human body representation from aesthetic and anthropological points of view. Throughout my presentation, I will construct a theory of body consciousness and its representation to reveal the strangeness of idealized body image.

Keywords: robotized body, idol, aidoru, cyborg, humanoid, android, Pink Lady, Lady Gaga, costume, cosplay, character, body image, body consciousness.

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05/11/16

NEWS, Miki OKUBO: conférences, colloques, publications

2016年5月14日14時
YvetôtのGalerie Duchampで行なわれる講演会Le colloque: La figure au temps du numérique… soi, moi, self, l’autre? @Galerie Duchampで喋ります。
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展覧会 »L’empreinte directe du vécu sur le temps »はBill VIola, Fleur Helluin他。現代のポートレート/セルフポートレートに関するとても興味深い展覧会です。
講演は、「セルフィー的実践:可動的なイメージが自己表象に与える影響」(« la pratique SELFIQUE: l’impacte des images mobiles sur l’esthétique du soi » )
http://www.galerie-duchamp.com/index.php?id=228
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Duchamp_JdE_Empreinte-04 (téléchargez le programme !)

 

2016年5月6日〜7月1日
展覧会 »Vivre ou vivre mieux? »
Jérémy Segardのデッサンと私のテクストによる展覧会、パーソナライズド・メディシンをめぐる考察です。来月このプロジェクトに関わって本 »Vivre ou vivre mieux? » が出ます。
Personalized Medecine に関する思考、芸術的アプローチ。NantesのLa Conserverieにて。
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*論文*
3年間の科研費共同研究「ポピュラーカルチャーの美学構築に関する基盤研究」の成果報告書に論文が掲載されました。
執筆者:室井尚(研究代表)、佐藤守弘、吉田寛、吉岡洋、秋庭史典、大久保美紀。
「『異装』のモダリティ
― 充溢するコスプレ、あるいはコスプレ後のファッション」
popularculture(ドラッグされました)
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2016年4月9日
INHAで行なわれた研究集会 « Arts contemporains et leur espace institutionnel » (organisée par Pamela Bianchi et Jee Jeeyoung Kim)で講演しました。
講演: »L’exposition comme dispositif de la ré-expérience » (追体験の現場としての展覧会)
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01/26/16

Conferencia: Crossing Point – Japanese Media Art, Game and Popular Culture

国際交流基金とマタデロマドリード主催の講演会が明日16時より、Medialab Pradoで予定されています。吉田寛さんと私大久保美紀が講演者として登壇します。
テーマはCrossing point: Japanese media art, Game and Popular culture
私の講演ではとくに、ポピュラーカルチャーとアート創作の境界に焦点をあてます。
アウトラインはこちらです。

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国際交流基金マドリード支部のサイトに掲載された情報はこちらです。
http://fundacionjapon.es/ArteDetalle.sca?art_id=152&id=10#/Idioma.sca?lang=jp

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ディスカッションでは、以下のトピックなどが話し合われる予定です。

Ambiguous borders between the Game and the interactive/participative arts from the point of their development and realization

Reproduction, Reinterpretation, Appropriation in Media Art

Possible participability and jouability(playfulness) in media arts

The social and political roles of the subculture in Japan and in Spain

後日またご報告させてください。マドリッドにお知り合いのいらっしゃる方はぜひお誘いしてください!よろしくお願いします!

10/3/15

鹿児島大学法文学部レクチャー&ワークショップ「アーカイブと自己表象」

鹿児島大学法文学部レクチャー&ワークショップ
開催2015年9月2日
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「あっ!」という間に1ヶ月が経ってしまいました。なんてことでしょう!1ヶ月前、鹿児島大学でレクチャー&ワークショップをさせていただいたのでその報告です。

2015年9月2日、鹿児島大学法文学部にお邪魔し、レクチャー&ワークショップを行ないました。テーマは「アーカイブと自己表象」。今日の芸術作品を制作する手法として顕著である「アーカイブ的な方法」に着目し、アーカイブ的な方法を通じて表現される作品の意味や有用性、アーティストの意図について考えることを目指しました。そして、確かに今日、美術館・ギャラリー・アートイベント、さまざまな展示空間で頻繁に<オブジェの集積>のような形をとる作品を目にするのですが、この潮流はいったいどのように解釈することができるのでしょうか?

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具体的に、現代美術史のなかから、アーカイブを手法とした<オブジェの集積>たる作品を思い起こすことはそう難しくありません。たとえばゴミを集めたアルマンとか、クリスチャン・ボルタンスキーのMonumentaにおける大量の古着の展示( »Personne »)とか、ソフィ・カルのLe rituel d’anniversaireやジャン=ルイ・ボワシエのMémoire de crayonsなど、多くの作品がなるほど、絵画や彫刻のように芸術家の手仕事によって創作したオブジェではなくて、なんらかのルールによって集積したものを分類し、展示しているのですね。

込められた意味は様々です。産業的に大量生産されたオブジェを文脈から切り離して大量に見せることによって、モノを異化することもできるでしょう。大量の古着は、かつてそれを着たはずの身体が不在となる状況のなかで、逆説的にも衣服の身体性を感じさせるでしょう。私が忘れられるのが怖いという全く主観的な悩みから毎年盛大に誕生日パーティーを行い、そこでいただいた誕生日プレゼントを詳細にメモをとって保存する奇妙な儀式は、自己存在の記憶について鑑賞者にひとつのアイディアを与えるでしょう。個人のコレクションの1024本の鉛筆をコンピュータのデータから探したり、気に入った鉛筆のレジェンドを読んだりすることは、一個人の思い出に留まったはずのオブジェが潜在的な複数の鑑賞者の記憶まで広がって共有されることが可能になるでしょう。

つまり、単なるコレクションと、それを芸術作品として作り上げることの間には、言うまでもなくそれが作品として鑑賞者に共有されることの意味が見いだされる必要があります。

ワークショップでは、参加してくださった先生がた、学生のみなさんそれぞれが、<「私の思い出/私のコレクション」を芸術作品にするにはどうしたらいいか?>という一見本末転倒のような問題について考えました。つまり、アーカイブ的な手法をとる芸術作品が芸術作品たる必要条件をあとから考える、といったようなちょっとしたチャレンジです。

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みなさんの作品は、それぞれのコレクションが非常に異なるものであったために、また、皆さんが時間の制約もありながらできるだけその場で作品を作る、ということにこだわってくれたために、ユニークなものが完成しました。ワークショップでは、アイディアを考え、つくり、発表する、という肯定をだいたい2時間ちょっとで行ないました。全員が発表できて、他の人の作品も体験したり鑑賞することができたので、良かったと思います。

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作品を簡潔に説明していきましょう。まずは「Ne pas toucher」不可触の作品です。これは作者が実際に日々の記録をとり、研究や論文のアイディアを綴ったり、スケジュール管理に利用してきた手帳を展示するというリスキーな作品です。そこにある手帳の束は単なる紙の束である以上に作者の十数年分の記憶が物質化したものです。見る者はそれに触れることを禁止されていますが、そこにある個人にって非常に大切なものを物理的には提示されています。

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また、1990年代後半より現代でも撮影されているプリクラは、長年に渡って少女たちの友人や恋人との思い出、家族との思い出や旅行の思い出の小さなフォトアルバムとしての役割を果たしてきました。この作品では、作者のプリクラコレクションを人生のフェーズや撮影の機会に分類し、プリクラによる自分史を構築しています。

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ペットと過ごす時間もまた、個人の人生の大切な時間を築きます。作者は、飼い猫と過ごす思い出を「家」という空間の記憶と結びつけました。空っぽの間取り図に配置される飼い猫の写真は、それが配置されることによって撮影された瞬間の思い出として色鮮やかに蘇ります。作者は間取り図に写真を貼るのではなく、敢えてこれを配置する、という方法を選びました。このことも、空間が孕んでいる自由な可能性と開放性、私たちの存在が刹那的なものであることと関係するように感じられます。

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もっともニューメディアな作品でした、AR(拡張現実)を構築する携帯のアプリケーションを利用した作品です。私の人生にとって(ラジオ番組に関するものでした)思い出深い数冊の本があります。これには、様々なレジェンドがあるのですが、携帯の画面で本の部分(表紙や特定の頁)をキャッチするとそのストーリーが浮かび上がってきます。

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漫画やイラストを長年描いてきた作者は、自分の画風が誰に/どんな絵に/どんな影響を受けてきた結果、現在の画風が出来上がったのかを、数枚の絵と自分の絵を比較することによって私たちに説明しました。絵の変化や文字の変化といった表現の歩みは、身体的動作に由来するものですから、その経験や痕跡は常にひとりの人間の身体と結びついた個人的なものでしかないのですが、個人のストーリーは、共有されることによって本当の話となったり、同時に作られたりする、そのような不思議なものでもあります。

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自分の名前をインターネットの検索エンジンで検索する「エゴサーチ」を題材に作られた作品もありました。張り巡らされたレゾーの中に日々クラス私たちには、パノプティコンの牢獄で始終監視され続ける囚人たちのように、ある意味で「隙のない」人生を送っています。私のイメージは、あるいは私の行動は、私が意図するしないに関わらず常にウェブ上を漂っているかもしれません。この作品では著者は、私のコントロールの外側にある、つまり他者によって公表され、名付けられた「私のイメージ」を集積し、メディアタイズされた私の輪郭を描き出しました。

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ほつれたジャージの裾がアップで映し出された一枚のイメージがあります。コレクションを元にした作品を作る、というとモノがたくさんなければならない気がしますが、作者は敢えてたった一枚の写真を選びました。アーカイブは実は、写真というマテリアルにあるのでなく、ほつれたジャージの裾に隠されています。ボルタンスキーが示したように、肉体から放り出された衣服はそこにあるだけで、不在の意味を強烈に訴えてきます。ほつれた裾には、ジャージの持ち主がそれを履いて歩き回った時間の蓄積とその歩行の特徴や行動の積み重ねが刻印されています。

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さて、そういえば私もプロトタイプとして、皆さんにアンケートをお願いして二つの証明写真コレクションに関わる作品を作りました。ご協力いただいた皆さんにお礼と結果を申し上げられずじまいで一ヶ月が過ぎてしまいましたが、本ワークショップで作品アイディアを考えるために提示させていただきました! というわけで、次回プロトタイプの結果を掲載しようと思います。

本レクチャー&ワークショップ、ご参加いただいた皆様、ありがとうございました。開催に当たって全てにおいて大変お世話になりました鹿児島大学の中路先生、太田先生に感謝を込めまして。

2015年10月2日

09/1/15

レクチャー&ワークショップ 「アーカイブと自己表象」

レクチャー&ワークショップ 「アーカイブと自己表象」@鹿児島大学法文学部 メディアと現代文化コース

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明日9月2日午後、レクチャーとワークショップを行ないます。テーマは「アーカイブと自己表象」。アーカイブとは、パブリックな目的で収集・分類・保存される資料を想像させますが、その公的な有用性以前に、歴史的・文化的なレベルではきわめて個人的なコレクションが起源となったのは明らかです。芸術領域では、情報化社会との相互作用やインスタレーション的な作品が数多く創造されるにいたり、「アーカイブ」を手法とする作品の現代アートにおける重要性は無視できないものです。

本レクチャーでは、アートにおけるアーカイブ、アートの手法としてのアーカイブの意義について考察し、具体的作品分析を行ないながらこの問題に対峙します。つづくワークショップでは、「私の思い出」(あるいは個人的コレクション)を作品化するプロセスと方法をめぐってレクチャー内容を踏まえて実験的な作品作りを行なう経験を通じて、アーカイブの公共性と親密性について参加者と共に考えたいと思います。

鹿児島でお待ちしています。s

ちなみに!

私の明治期の祖先は明治20年の初代屯田兵として鹿児島県(薩摩藩)より北海道は札幌の琴似に屯田兵として開拓使として派遣されました。以降、大久保は薩摩より琴似、のちに新琴似という大根畑の広がる土地に根付くことになりました。

大学生になって初めて鹿児島県を訪れました。西郷どんの像や、霧島アートの森を訪れて感激したことは言うまでもありません。

この度、鹿児島に再度訪れ、しかも鹿児島大学で自らの研究テーマである自己表象についてお話させていただける機会をいただいた中路先生、太田先生に感謝しつつ、明日はみなさんとの出会いを楽しみにしています。

アンケートご協力いただいた皆様、ありがとう!またこちらでご報告させていただきます。

大久保美紀