Aesthetics of “robotized body” in the representation of Aidoru’s (popular singers’) costumes

Here I share the abstract of my presentation I did in the 20th ICA july 2016 about the robotized costume regarding of the recent trend of body consciousness. If you are interested in the topic, you are very welcome to contact me for further discussion! (to garcone_mk atmark yahoo.co.jp)

The 20th International Congress of Aesthetics, July 24-29 2016, Seoul National University
Intervention by Miki OKUBO, 26 july 2016


Aesthetics of “robotized body” in the representation of Aidoru’s (popular singers’) costumes

In the new media environment developed over these past few decades, our body consciousness, from ontological, aesthetic and sociological points of view, has been radically modified. Throughout diverse experiments (virtual reality, augmented reality, video games, simulation, avatars, etc.), our body image today differs vastly from that of previous eras. Cyborgs, humanoids and humanlike-robots that were classic imaginations of SF films have become real thanks to advanced technologies.

In my presentation, I would like to investigate one emerging “ideal body” trend in our mass cultural environment. The observation of costumes of popular singers called “Aidoru” will allow us to understand what human beings consider “an ideal” body shape.

“Aidoru” is a Japanese word meaning “young star singer(s).” These performers, strategically staged commercially since the 1970s, are characterized by their particular style of dance, music and costume. One pioneer example of Aidoru wearing a robot-like costume is the female duo, Pink Lady, popular in the second half of 1970s. The metallic colored costume for one of their hits, UFO, featured mechanized body traits reminiscent of a spacesuit. We can also think of cone-shaped bra designed by Jean-Paul Gaultier for Madonna in the 1990s, which brings to mind a strange humanlike robot. As for a more recent example, the dance style of trio Pahyumu (Perfume, is characterized by unique, inhuman, and unnatural mannequin-like movements. Their costume also resembles spacesuits and their music is electro. There is no need to look for particular singers specifically oriented to the robotic style, this costume trend is shared by a large number of Aidoru.

This trend of aspiring towards a robotic-like body is worrisome. It doesn’t just signify an appreciation for simple physical imitation of cyborgs through costume games, but ontological pursuits of self-image. Analyzing these costumes will help us understand the signification of human body representation from aesthetic and anthropological points of view. Throughout my presentation, I will construct a theory of body consciousness and its representation to reveal the strangeness of idealized body image.

Keywords: robotized body, idol, aidoru, cyborg, humanoid, android, Pink Lady, Lady Gaga, costume, cosplay, character, body image, body consciousness.

LadyGaGa-Metropolis Perfume 4 TR-5


NEWS, Miki OKUBO: conférences, colloques, publications

YvetôtのGalerie Duchampで行なわれる講演会Le colloque: La figure au temps du numérique… soi, moi, self, l’autre? @Galerie Duchampで喋ります。
スクリーンショット 2016-05-10 17.29.38
展覧会 »L’empreinte directe du vécu sur le temps »はBill VIola, Fleur Helluin他。現代のポートレート/セルフポートレートに関するとても興味深い展覧会です。
講演は、「セルフィー的実践:可動的なイメージが自己表象に与える影響」(« la pratique SELFIQUE: l’impacte des images mobiles sur l’esthétique du soi » )
Duchamp_JdE_Empreinte-04 (téléchargez le programme !)


展覧会 »Vivre ou vivre mieux? »
Jérémy Segardのデッサンと私のテクストによる展覧会、パーソナライズド・メディシンをめぐる考察です。来月このプロジェクトに関わって本 »Vivre ou vivre mieux? » が出ます。
Personalized Medecine に関する思考、芸術的アプローチ。NantesのLa Conserverieにて。



― 充溢するコスプレ、あるいはコスプレ後のファッション」


INHAで行なわれた研究集会 « Arts contemporains et leur espace institutionnel » (organisée par Pamela Bianchi et Jee Jeeyoung Kim)で講演しました。
講演: »L’exposition comme dispositif de la ré-expérience » (追体験の現場としての展覧会)


Conferencia: Crossing Point – Japanese Media Art, Game and Popular Culture

国際交流基金とマタデロマドリード主催の講演会が明日16時より、Medialab Pradoで予定されています。吉田寛さんと私大久保美紀が講演者として登壇します。
テーマはCrossing point: Japanese media art, Game and Popular culture



スクリーンショット 2016-01-26 1.04.15


Ambiguous borders between the Game and the interactive/participative arts from the point of their development and realization

Reproduction, Reinterpretation, Appropriation in Media Art

Possible participability and jouability(playfulness) in media arts

The social and political roles of the subculture in Japan and in Spain








具体的に、現代美術史のなかから、アーカイブを手法とした<オブジェの集積>たる作品を思い起こすことはそう難しくありません。たとえばゴミを集めたアルマンとか、クリスチャン・ボルタンスキーのMonumentaにおける大量の古着の展示( »Personne »)とか、ソフィ・カルのLe rituel d’anniversaireやジャン=ルイ・ボワシエのMémoire de crayonsなど、多くの作品がなるほど、絵画や彫刻のように芸術家の手仕事によって創作したオブジェではなくて、なんらかのルールによって集積したものを分類し、展示しているのですね。






鹿児島ws 1
鹿児島ws 2

作品を簡潔に説明していきましょう。まずは「Ne pas toucher」不可触の作品です。これは作者が実際に日々の記録をとり、研究や論文のアイディアを綴ったり、スケジュール管理に利用してきた手帳を展示するというリスキーな作品です。そこにある手帳の束は単なる紙の束である以上に作者の十数年分の記憶が物質化したものです。見る者はそれに触れることを禁止されていますが、そこにある個人にって非常に大切なものを物理的には提示されています。

ne pas toucher




鹿児島ws 5


鹿児島 ws 6


鹿児島ws 4





さて、そういえば私もプロトタイプとして、皆さんにアンケートをお願いして二つの証明写真コレクションに関わる作品を作りました。ご協力いただいた皆さんにお礼と結果を申し上げられずじまいで一ヶ月が過ぎてしまいましたが、本ワークショップで作品アイディアを考えるために提示させていただきました! というわけで、次回プロトタイプの結果を掲載しようと思います。




レクチャー&ワークショップ 「アーカイブと自己表象」

レクチャー&ワークショップ 「アーカイブと自己表象」@鹿児島大学法文学部 メディアと現代文化コース












Conférence par Hiroshi Yoshioka : ENJEUX de PARASOPHIA (Université Paris 8, TEAMeD × MCJP)



本講演は、吉岡さんからのご講演(逐次通訳、パラソフィア報告・京都の街の歴史・銭湯芸術祭)に続いてボワシエさんからの大覚寺で2011年7月に開催された展覧会「Les Vigilambules」(« Les Vigilambules »はジル•ドゥルーズの「覚醒した状態」を意味するvigilambuleから着想を得た作品で大きな目を見開いて、決して眠ることなく、強く覚醒した状態を意味します。プロジェクトの詳細ははボワシエさんのサイト:http://www.vigilambule.net/blog/?page_id=2でご覧になれます)に関するご発表、そしてお越し頂いた皆さんとのディスカッションとなりました。



吉岡: »PARASOPHIA: International Festival of Contemporary Culture”というのは、今年(2015年)3月7日~5月10日に京都で開催された、現代美術の展示を中心とする催しです。京都府と京都市の財界人が後ろ盾となりました。会期は約2ヶ月ですが、この催しに関連したイベント、小規模なプレ展示、講演会、ワークショップなどは、オープニングの1年以上前から京都を中心に積み重ねられてきました。ぼく自身とこの催しとの関わりは、2年ほど前に、この展覧会のアーティスティックディレクターである河本信治さんから、Professional Advisory Boardの委員となるように依頼されたのがきっかけです。河本さんがぼくにそれを依頼した主な理由は、ぼくが今から13年前の2003年、「京都ビエンナーレ」という芸術祭のディレクターをしたからです。この催しはPARASOPHIAよりは小規模なもので、主として京都市がバックアップしたものですが、残念ながら1回だけで終わってしまいました。この内容については後で少し述べます。Professional Advisory Boardの第1回の会合で、河本さんから、”PARASOPHIA”という名称について聞きました。アートの介入によって現在の支配的な知(Sophia)とは別の知のあり方を求める、という基本的なコンセプトには共感しましたが、同時に日本語において”PARASOPHIA”という名称はその意味が直観的につかみにくく、難解なものとして敬遠されるのではないか?とも言いました。ではどうしたらしいのか?と聞かれたので、1年前から雑誌やペーパーを発刊して、PARASOPHIAという言葉やコンセプトを広めていけばいいのではないか?とアドバイスしました。「では吉岡さん、やってください。」ということになったので、学生たちと一緒に『パラ人』というフリーペーパーを5回発刊してきました。


『パラ人』について À propos de PARAZINE
この出版物に関しては、印刷のための経費はフェスティバルから出ていますが、編集スタッフの学生たちはもちろん、執筆者も(いま通訳をしてくれている大久保美紀さんも執筆者の一人です)、編集長であるぼくも全員ボランティアで、謝礼は受けとっていません。このことは重要で、私たちはPARASOPHIAの宣伝をする義務はなかったのです。ソフィアとパラソフィアについて、幸福について、戦争について、そして京都について、気の向くままに話し合いました。こうした出版物を許容することは »PARASOPHIA »というコンセプトに合致しており、その意味で間接的にはフェスティバルのためになったと思います。これはPARASOPHIAの公式出版物ですか? という質問には、「半公式」であると答えました。「半」というのが重要な部分でした。

『パラ人』というのはPARASOPHIAの(MAGA)ZINEということですが、 »ZINE”という音は日本語で「人」という意味もあるので、モノやお金が中心に回っているかのような今の世界で、あえて人を中心にするという意味でこのように名付けました。また内容も、PARASOPHIAという美術展の紹介をするのではなく、集まった学生たちと、今の世界についての様々な議論をするということを中心に編集しました。現在の日本の大学は、学生に対するサービスという点では完備していますが、学生と教員がカリキュラムという枠組を離れて様々なことを話し合う場はほとんどありません。だから『パラ人』の編集部はまるでもうひとつの、オルタナティブな大学のようになりました。



日本では2000年代以降、横浜トリエンナーレ、新潟の田園地帯に展開する越後妻有アートトリエンナーレ、愛知トリエンナーレ、瀬戸内芸術祭などの大規模な現代美術祭が開催される中で、京都にも新しい文化のイメージが必要だ、という判断があったと思います。さらに、ぼくの考えでは、京都には歴史の明るい側面ばかりではなく、行政や観光業界がふつうは眼を向けたがらない過去の歴史もあり、それが比較的眼にみえる形で現れており、このことは、京都で芸術祭を行う際の障害ではなく、むしろ利点となりうると思っています。ツーリズム的な京都のイメージでは隠されている、この都市の多様な側面をみることができるからです。 その意味で、表層的・産業的な文化商品としてだけではなく、より深い普遍的なレベルにおいて世界や人間のあり方について考察するためにも、京都という場所でアートプロジェクトを行うことには可能性があると考えています。










parasophia2015suujin-1_kawata-6_hoefner-sachs (1)







Ceci est le compte-rendu de la conférence par Hiroshi Yoshioka qui a eu lieu le 1 juillet 2015 à la Maison de la Culture du Japon à Paris grâce à la collaboration de l’Université Paris 8, l’AI-AC l’équipe de TEAMeD (Théorie Expérimentation Arts Médias et Design) et la MCJP. Voici le contenu de sa conférence. (En raison du temps, cet article n’a pas été corrigé. Merci beaucoup de signaler les erreurs et de proposer les corrections en français pour améliorer l’article.)



HY: PARASOPHIA: festival international de la culture contemporaine est un événement qui a eu lieu à Kyoto du 7 mars au 10 mai 2015, qui a consacré aux expositions de l’art contemporain. Les sponsors principaux étaient la ville de Kyoto et les représentants des milieux économiques. Cet événement durait donc deux mois mais en anticipant plus d’un an, avant son ouverture, il y a eu des pré-expositions, des conférences, des workshops et d’autres pré-événements dans la ville de Kyoto. L’occasion de travailler pour ce projet était le fait que Monsieur Shinji Komoto qui est le directeur artistique de cet événement m’a proposé d’être membre du comité de conseils professionnels il y a 2 ans. La raison pour laquelle Monsieur Komoto me l’a proposé, c’est parce qu’il y a 13 ans en 2003 c’était moi-même qui ai été le directeur artistique de la Biennale de Kyoto qui est aussi un festival international de l’art contemporain. Cet événement, la Biennale de Kyoto était moins grand par rapport à Parasophia, financé par la ville de Kyoto, mais malheureusement nous n’avons pas pu faire la deuxième fois. Je reviendrai plus tard sur cette histoire. Lors du premier comité de conseils professionnels, Monsieur Komoto nous a expliqué la signification du « PARASOPIA » comme nom d’un événement. Explorer une nouvelle modalité de l’intellect (voire SOPHIA), qui est différent de celle qui domine notre société d’aujourd’hui, à travers l’intervention de l’art. J’ai été d’accord avec son opinion en principe, mais je lui a également dit qu’il était probablement difficile de populariser ce nom car le mot même « PARASOPHIA » ne dit rien, et difficile de faire comprendre au public. « Alors, qu’est-ce qu’on peut faire », m’a demandé Komoto. C’est à ce moment-là où j’ai proposé la publication d’un magazine gratuit afin de populariser le nom de PARASOPHIA et son concept pendant 1 an. Comme ça, on m’a nommé l’éditeur responsable de ce magazine qui s’appelle « PARAZINE » dont j’ai travaillé avec les jeunes étudiants pour les 5 publications.

À propos de PARAZINE
HY: « PARAZINE » est donc le magazine de PARASOPHIA. Mais « ZINE » (jin) signifie la personne en japonais. Dans ce monde actuel, on a l’impression que c’est des produits industriels et l’argent qui sont dominants, j’ai trouvé que ce n’est pas mal de donner à l’être humain une place importante en nommant ce magazine « PARAZINE ». Ce magazine ne présentait pas les expositions des beaux-arts, mais montrait de nombreuses discussions sur l’actualité avec les jeunes étudiants. Les universités japonaises d’aujourd’hui donnent à leurs étudiants de nombreux services très pratiques, mais il n’y a pas d’occasion qui permet aux enseignants et étudiants de discuter ensemble divers sujets en dehors des cours et du cursus. Par conséquent, la réunion de comité de rédaction de PARAZINE est devenue une sorte d’université alternative.

La publication de PARAZINE a été financé par ce festival mais les membres de comité de réduction, étudiants, moi, et Miki OKUBO qui est l’un des essayistes de ce magazine, personne n’a été payé. Nous sommes bénévoles. Le fait que notre activité a été bénévole est important, car grâce à cette condition non payée, nous avons pu rester libres de l’obligation de faire la publicité de PARASOPHIA. Ce que nous avons réalisé est parler librement des sujets variés tels le bonheur, la guère, la ville de Kyoto, etc. À mon avis, soutenir ce type de publications étranges convient parfaitement au concept de cet événement « PARASOPHIA » et je pense que ce magazine a pu quand-même contribuer au festivald’une façon indirecte. Quand quelqu’un nous demandait si PARAZINE est une publication « officielle » de PARASOPHIA, on lui a répondu « moitié-officielle ». Cette expression « moitié » est importante.


Kyoto, comme lieu 1
HY: Pourquoi les milieux économiques et politiques de Kyoto sont-ils intéressées à tel festival de l’art contemporain? C’est d’une part parce qu’ils sont inquiets pour l’avenir de la ville de Kyoto. Comme vous le savez, Kyoto était la capital japonaise pendant plus de 1000 ans depuis l’ère Heian le 8 ème siècle. Cette ville embrasse de nombreux patrimoines culturels, industries et artisanats traditionnels et artistiques. Beaucoup d’universités y existent, attirant fréquemment des conventions internationales de différents domaines. Le nombre de touristes atteint plus 50 000 000 par an, soit du Japon, soit des autres pays. En constant ce chiffre, on peut penser qu’il n’est pas nécessaire de lancer de nouveaux projets culturels pour accueillir encore des visiteurs. Toutefois, l’attrait majeur de Kyoto du point de vue international se limite à sa culture traditionnelle. Certes elle est importante, mais la culture traditionnelle ne pourra pas continuer à être appréciée avec sa simple conservation. La tradition peut être conservée quand elle est héritée par la nouvelle génération, en ayant la modification incessante. À mon sens, la culture traditionnelle n’est pas opposée à la culture innovante mais elles se développent en se stimulant réciproquement.

Depuis 2000, le Japon a expérimenté de nombreux grands festivals internationaux tels la Triennale de Yokohama, la Triennale de l’art de Echigotumari réalisée en profitant la régions rizière de Nigata, la Triennale d’Aichi et le festival de l’art de Setouchi. Dans cette ambiance, la ville de Kyoto a été convaincu de la nécessité d’une nouvelle image culture pour le futur de Kyoto. Kyoto garde sa mémoire historique non seulement « positive » mais « négative », voire même « triste » qui est assez visible mais qu’en général le milieu politique et l’industrie touristique ne souhaitent pas trop montrer. À mon avis, ces traces historiques ne sont pas un obstacle pour organiser un festival de l’art mais ça peut être plutôt un atout. On s’intéressera à d’autres aspects cachés par les images stéréotypes montrés par le tourisme. Je crois, réaliser un projet artistique dans la ville de Kyoto possède une possibilité pour qu’on puisse réfléchir profondément sur la modalité de notre monde, la nouvelle relation humaine, allant au-delà de la compréhension superficielle fondée sur la société de la consommation.

Je pense que les Enjeux de PARASOPHIA, comme le titre de cette conférence, est non pas simplement de réaliser encore un festival international de l’art au Japon, mais de trouver une intervention possible de l’art contemporain dans cette ville, afin de réfléchir sérieusement sur des problèmes concernant tout le Japon ou concernant la société moderne.

Kyoto, comme le lieu 2
HY: Les deux villes, Hiroshima et Nagasaki, sont connues dans le monde entier comme lieux symboliques car ces deux villes ont été victimes des bombes nucléaire. En revanche, à propos de Kyoto, il existe une explication légendaire comme celle-ci : les Etats-Unis n’ont pas choisi Kyoto pour leur cible du bombardement grâce à leurs héritages culturels existant dans cette ville. C’est un mensonge total. Les documents militaires des Etats-Unis qui ont dévoilés dans les années 1990 montrent qu’à la fin de la Seconde Guère Mondiale (dit la Guère Pacifique au Japon), Kyoto était leur première cible pour la jetée des bombes atomiques. La raison de leur choix est variée : puisque Kyoto était le centre symbolique du Japon, puisque Kyoto est géographiquement une cuvette qui leur permettrait de mesurer clairement l’efficacité de la bombe atomique, puisque les intelligentsias qui jugeraient correctement la gravité de sa force destructrice pour conseillerait au gouvernement de capituler en renonçant la continuation de la guère, etc. La raison pour laquelle les Américains n’ont pas finalement réalisé ce projet est expliquée par la crainte, c’est-à-dire, si la ville de Kyoto était totalement démolie par les Etats-Unis, les Japonais garderaient leur sentiment d’anti-américa pendant une longue période. C’est pourquoi je ne suis pas d’accord avec une image typique de Kyoto comme ancienne capitale toujours protégée grâce à sa culture traditionnelle extraordinaire. En effet, il y a 70 ans, cette culture a risqué son existence. Sa disparition totale a été possible.

Kyoto montre les problèmes divers causés par la modernisation du Japon. Gosyo, l’habitation de l’empereur, se situe dans le centre de Kyoto, mais depuis la Restauration de Meiji en 1868, c’est-à-dire depuis que l’empereur a déménagé de Kyoto à Tokyo, la nouvelle capitale du Japon, cet espace Gosyo est un énorme vide du centre-ville. Les hommes politiques conservateurs insistent souvent le Japon comme nation constituée d’un seul peuple homogène, c’est pourquoi les Japonais partagent le sentiment de solidarité, mais c’est une fiction. Les immigrants de la péninsule coréenne aussi y habitent. Ou encore, malgré la belle idée moderne pour l’égalité des hommes, il existe historiquement un quartier des habitants discriminés. Dans mon enfance, j’ai habité près de ce hameau, et j’ai compris que parler de ce type de problèmes en haute voix était considéré comme tabou.

La Biennale de Kyoto 2003
HY: Comme je l’ai dit tout à l’heure, en 2003 j’étais le directeur artistique d’un festival international de l’art appelé « La Biennale de Kyoto ». J’ai déjà considéré qu’il était important de mettre en lumière l’histoire de la ville de Kyoto. Le thème de cette manifestation de 2003, « Slowness » (la lenteur en français) a été fondé sur la réflexion sur le choc du 11 septembre et de la guère d’Iraq et sur le globalisme et le développement technologique qui ont amené par conséquent une sorte de violence catastrophique. Il faut opposer une résistance à cette situation violente. Non pas la lenteur contre la vitesse qui domine notre monde, mais je voulais que l’art soit considéré comme sorte de façon de vivre pour trouver la lenteur dans la vitesse elle-même.
Pour vous montre un exemple concret, Je voudrais présenter juste une oeuvre de Tadasu Takamine conçue pour cette Biennale de Kyoto, intitulée « Mon amoureux de Zainichi » (Zainichi est ici coréens résidant au Japon). Cette oeuvre est été créée et exposée dans la mine du manganèse se situant au nord de Kyoto qui est abandonnée aujourd’hui. Dans le passé, c’était les ouvriers coréens qui ont travaillé pour l’extraction du manganèse dans des conditions misérables. L’artiste superpose ce qui s’est passé dans l’histoire sur son expérience personnelle telle la réconciliation avec sa femme qui est Zainichi, c’est-à-dire la deuxième génération d’immigrant coréen.

Je considère que le rôle important de l’art est non pas de montrer les problèmes politique ou historique tels quels, ni d’éviter de les traiter, mais de trouver des moyens possibles qui nous permettent de regarder ces problèmes sérieusement pour que nous puissions en parler et les discuter librement grâce à l’art.


Musée municipal de la ville de Kyoto
HY: À mon avis, PARASOPHIA met en lumière l’histoire de la ville de Kyoto. Tout d’abord, les visiteurs peuvent découvrir l’espace du musée municipal de la ville de Kyoto d’une manière originale qui est le lieu d’exposition le plus important. Son bâtiment date de la cérémonie d’intronisation de l’empereur Showa en 1933. Après la Seconde Guère Mondiale, pendant l’occupation des États-Unis, ce bâtiment a été réquisitionné par les soldats américains jusqu’en 1952. Le mur se situant au sous-sol de ce musée garde toujours les traces de cette période. Par exemple, il y a un coin pour le cirage des chausseurs pour les soldats américains. La plus grande salle d’exposition a été utilisé en tant que cours de basketball. Un artiste chinois, Cai Guo-Qiang a présenté ses deux oeuvres « De Vinci des enfants » et « De Vinci des fermiers » réalisés par les workshops, sur une énorme structure des bambous construite dans ce grand espace. Mais parmi ses oeuvres, celle qui est la plus appréciée était « Robot dessine comme Jackson Pollock ». Les tableaux fait par le robot se sont vendus comme des petits pains, c’était ironique.

Koki Tanaka, artiste japonais, s’est intéressé à l’histoire du lieu du musée municipal de la ville de Kyoto et il a réalisé un workshop sur ce sujet. Lorsque l’exposition international intitulée « entre homme et matériel » (Between man and matter, 1970) est arrivée au Japon, Yusuke Nakahara, critique d’art actif à cette époque, a organisé la première exposition internationale de l’art contemporain du Japon accueillant 27 artistes étrangers et 13 artistes japonais. Mais malheureusement par rapport à l’Expo universelle d’Osaka qui a eu lieu dans la même année qui a accueilli 64 000 000, bien sûr le résultat sans précédent, cette première exposition internationale est gravement en déficit si bien qu’au Japon pendant 30 ans il n’y avait aucune exposition internationale de l’art avant la Triennale de Yokohama en 2001.

Horikawa Danchi
HY: PARASOPHIA a utilisé aussi Horikawa Danchi, habitation collective de Horikawa. Ce lieu est aussi important car il montre la mémoire de la vie moderne du Japon. Horikawa est le nom d’un boulevard Horikawa-Dori. Avant la Guère Pacifique, Horikawa était le quartier fréquent avec beaucoup de magasins. À la fin de la guère, pour construire des murs protecteurs contre l’incendie en cas des bombardements, on a démoli de nombreux bâtiments. C’est vrai que Tokyo, Osaka et d’autres grandes villes ont subi des attaques aériennes et ont été réduit en cendres, mais comme je l’ai dit tout à l’heure, Kyoto a été l’une des cibles pour la jetée de la bombe atomique, il n’y a pas eu d’attaques importantes, par conséquent, les anciens bâtiments sont conservés.

Après-guerre, dans les années 1950, pour résoudre le manque des habitations et pour reconstruire la rue commerçante, la nouvelle construction a été commencée. C’est Horikawa-Danchi, l’habitation collective de Horikawa qui existe aujourd’hui. Les magasins au rez-de-chaussé et les habitations aux étages équipés des toilettes à chasse d’eau et du gaz de ville, c’était l’habitation collective la plus moderne dans les années 1950. Il n’y avait pas de salle de bain individuelle mais on allait au bain commun appelé « Sento ». Mais en tout cas, par rapport aux habitations plus anciennes où on partageait la salle de bain et la cuisine, l’habitation collective de Horikawa est un exemple symbolisant la vie moderne et individualisme. Le temps passé, dans les années 1980 et 1990, le problème structural des bâtiments telle résistance aux tremblements de terre s’est levé. De nouveau, Horikawa-Danchi est devenu l’objet problématique. Quelques projets artistiques traitent cette habitation collective de Horikawa dans ce contexte-là.


HY: Le quartier Suijin est près de la Gare de Kyoto. Autour de ce quartier, l’ambiance est très animée mais seul dans ce quartier il reste quelques terrains vides. C’est parce que ce quartier a été un important hameau discriminé. Avant la modernisation, il existait des classes sociales basses discriminées constituées des gens qui travaillaient pour l’exécution ou l’abattage. Depuis la modernisation du pays, ils ont été officiellement admis en tant que citoyens comme les autres mais en réalité ils étaient toujours discriminés. C’était l’administration qui a décidé ce quartier Sujin comme quartier pour ces gens discriminés pour leur sécurité mais cette décision a finalement mis en relief ce problème structural, qui dure d’ailleurs même aujourd’hui. J’ai grandi près de ce quartier et j’allais à l’école publique, donc j’ai témoigné l’ambiance autour de ce quartier, l’attitude des élèves, des personnels des écoles, comment les adultes l’expliquaient à leurs enfants, etc. La simple justice ou la pitié ne résout pas ce problème car la discrimination est quelque chose qui est présente partout dans la vie quotidienne. Ça prend beaucoup de temps, mais il est important d’éduquer dans le sens « profond ». Donc si les projets artistiques continuent avoir lieu à cet endroit régulièrement, ce sera significatif car ce type d’événements peuvent amener les gens qui ne connaissent pas l’histoire de ce lieu.


« Festival de l’art de bains communs »
HY: Pour finir, en s’éloignant un peu de PARASOPHIA, je voudrais vous présenter un autre festival de l’art « festival de l’art de bains communs » sur lequel j’ai travaillé. Ce projet essaie également de mettre en lumière le lieu et son histoire. 

D’abord, je vous explique la notion japonaise « se baigner » et ce qui est Sento, le bain commun. La plus part de Japonais considèrent que prendre un bain est une habitude très importante dans la vie quotidienne. Les Japonais donnent une signification beaucoup plus importante qu’un simple acte pour la propreté du corps. Quand on regarde le monde entier, prendre un bain n’est pas une coutume indispensable. Il existe des cultures où les gens ne prennent pas de bain, et il existait aussi la période où on se baignait pas. La coutume japonaise et l’idée obsessive à propos du bain sont plutôt originales selon les normes internationales. Si la pop-culture japonaise appelée « Cool Japan » tels Manga ou Japan-animé est très appréciée, il faudra lancer cette coutume du bain comme « Hot Japan » en tant que nouvelle culture compétitive. Cette coutume japonaise « prendre un bain » signifie « se baigner », « mettre notre corps dans l’eau chaude » et « se laver » ou l’acte pour la propreté du corps n’est pas très importante. Dans l’acte de « Prendre un bain », sentir le volume de l’eau qui permet de nous rassurer mentalement car on est couvert et soutenu par l’eau. L’histoire de bains communs au Japon est un sujet très intéressant, mais aujourd’hui, comme nous n’avons pas suffisamment de temps pour cela, je parlerai du bain commun du temps moderne. C’est des particuliers qui tiennent en générale la maison de bains communs et on peut prendre un bain en payant à peu près 3 euros. Le bain est bien sûr séparé pour les hommes et pour les femmes mais la séparation n’est pas complète. Il y a un mur au milieu mais au-dessus de ce mur il y a un espace ouvert continu. On peut entendre la voix de chaque côté et on peut prêter ou récupérer le savon entre les familles etc. Cet établissement est ouvert du 15h au soir tard. Dans la salle de déshabillage, il y a la TV, les magazines, et on peut boire un boisson frais. Dans la salle de bains, aujourd’hui, il y a des bains différents tels bains bouillonnant (jacuzzi), bain de plantes médicinales, bain électrique, sauna, bain froid etc.

Sento, le bain commun était très courant dans la vie urbaine jusque dans les années 1970. Comme j’ai parlé de l’exemple de Horikawa Danchi, la plus part des gens ne possédaient pas une salle de bain dans leur habitation individuelle. C’est donc le bain commun Sento qui a joué un rôle important d’un lieu de la communication. On peut dire que c’est un type de café mais un café où on est tout nu, évidemment. Dans les années 1980, la salle de bain individuel ont commencé à généraliser, cela signifie le déclin de la culture de Sento. Mais Kyoto garde relativement beaucoup de bains communs. Le festival de Sento, « festival de l’art de bains communs » est un événement créé par les jeunes artistes qui sont intéressés par cette culture. Ces jeunes artistes souhaitent d’apporter leur contribution à l’exposition des oeuvres d’art dans les bains qui permet aux amateurs l’art qui ne connaissent pas la culture de Sento d’expérimenter cette culture. L’une des raisons pour laquelle je travaille pour ce projet, « festival de l’art de bains communs » est fondée sur l’importance de cette culture et la signification du déclin de Sento. Je considère que ces trente ans l’histoire japonaise a fait un tour complet. La disparition de bains communs en ville signifie le changement radical de l’environnement résidentiel et du style de vie au Japon. Cela signifie également la destruction de l’économie et de la vie locale. La disparition de Sento dévoile aussi le changement du paysage de l’ensemble des rues commerçantes comme environnement local. Autrement dit, ce n’est pas seul le problème de Sento, mais cela révèle le changement de la société.

Résumer cette situation comme globalisation sociale et économique est sans doute un peu violent, mais la situation atteint un point critique aujourd’hui. Toutefois, je ne crois pas qu’il faille revenir au passé. À travers l’art, ne pas tomber dans la nostalgie ou l’exotisme, les organisateurs visent à offrir une expérience de la culture de Sento aux nouvelles générations.



(En raison du temps, cet article n’a pas été corrigé. Merci beaucoup de signaler les erreurs et de proposer les corrections en français pour améliorer l’article.)


日本記号学会 第35回大会「美少女の記号論」

日本記号学会 第35回大会「美少女の記号論」
実施日時:2015年5月17日(日)13:30-15:30 ※当日9:40-10:00の受付が必要
会場:秋田公立美術大学 大講義室
 2014年から2015年にかけて開催された展覧会『美少女の美術史』は、すでに江戸時代の「美人画」に見られる伝統的「美少女」像から、現代アートやマンガやアニメなどポップ・カルチャーに欠かせないモチーフとしての少女にいたるまで、日本社会において「少女」がどのように描かれ、演出され、鑑賞され、消費されてきたのか、その系譜を明らかにした興味深い試みであった。美術において少女は繰り返し隠れた焦点になっていたのである。それでは現在、彼女たちはどこに向かっているのだろうか? あるいは逆に、「美術」は「少女」を媒介にしてどこへ向かいつつあるのだろうか? これが第一の問いになる。


シンポジウム! 美少女表象のこれからのために喋ります!




スクリーンショット 2015-05-17 0.29.55


新聞女 4月15日正午 パリ第8大学 / Intervention de Miyuki Nishizawa, Newspaper Woman, le 15 avril 2015 à Saint-Denis

Please walk under here, Guggenheim NewYork, 2013

Please walk under here, Guggenheim NewYork, 2013

J’ai le plaisir de vous inviter à l’intervention-performance de Miyuki Nishizawa, autrement appelée Newspaper Woman, dans le cadre du cours « Création littéraire » à l’Université Paris 8, le 15 avril 2015.
Miyuki Nishizawa, vit et travaille à Osaka et Kobe au Japon, est l’un des successeurs directs du mouvement artistique Gutaï. Miyuki Nishizawa a développé sa conception artistique avec son maître Shozo Shimamoto, artiste. Miyuki Nishizawa a été invitée pour une performance au Musée Guggenheim à New York en 2013 et a participé à de nombreuses manifestations culturelles non seulement au Japon mais aussi dans divers pays comme la France et l’Italie.

Elle utilise le papier journal, en tant que média, rempli souvent par de nombreux événements tristes, édité, imprimé et jeté quotidiennement. L’art de Miyuki réalisé en papier journal n’est pas qu’art écologique (car elle recycle le papier), mais transforme ces informations tragiques en énergie positive pour nous encourager à vivre, s’habillant d’une magnifique robe de papier journal. Porter bonheur et nous amener à la paix mentale à travers sa performance : ce sont les deux objectifs de l’art de Miyuki.

À cette occasion, elle nous racontera son idée artistique, son parcours original et ses projets en cours. Ensuite elle présentera une oeuvre intitulée « Peace Road » conçue après les attentats du 11 septembre. Il s’agit d’une performance pour souhaiter la paix dans notre monde où il peut y avoir différentes cultures, différentes religions, différentes racines. Cette oeuvre importante a été réalisé au Japon, en Italie et dans d’autres pays. À l’occasion de cette intervention, j’ai le plaisir de vous inviter à témoigner de cette nouvelle version réalisée à Saint-Denis, et à partager un moment significatif.

MIyuki Nishizawa suspendue, performance de la grue

MIyuki Nishizawa suspendue, performance de la grue





Peace Road, Venise

Peace Road, Venise

Pour plus d’info, merci de me laisser un commentaire.


「未熟性」のジャパン・ポップ : 海外における受容について / Development of Japanese-pop infantilism abroad – Observation of contemporary fashion and specialized makeup


9月17日に、ブルガリアの国際記号学会で、室井尚さんがチェアをするこちらのラウンドテーブル »SEMIOTICS OF POP-CULTURE Focusing on the analysis and effects of the JAPAN POP« で、参加されるみなさんといっしょに発表します。わくわく。

スクリーンショット 2014-09-13 15.57.06

Development of Japanese-pop infantilism abroad – Observation of contemporary fashion and specialized makeup

I will analyze Japanese contemporary fashion and makeup observed among today’s youth, especially on girls. Japanese-pop fashion characterized as « Kawaii » (“very cute” in Japanese) embraces an infantilism, or babyishness. Its influence has taken a profound hold in some European countries. I will present a theory of universal characteristics in Japanese contemporary fashion.

I am especially interested in the remarkable crossing over of bizarre Japanese pop culture into western populations who don’t share any cultural background. Foreigners who take special interest in this original culture have brought attention to it in their own countries, where it takes hold progressively and develops in different manners in different places. European countries have a completely different geological context in comparison to Japan. Japan is an isolated island while European countries are loosely connected to one other. This geological difference affects cultural issues. The surpassing of cultural frontiers and international acceptance of the specialized universe of Japanese pop means the potential to become something universal and ubiquitous.

Several years ago, in my class of Univesrity Paris 8 (France), I introduced emoticons (Kaomoji, in Japanese, ex.o(^-^)o ) along with a sociological analysis of the effect of frequent emoticon usage. I suggested that these typographic representations of human facial expressions meant to imitate real human expression and portray emotion could, in turn, affect human gesture and behaviour. To my surprise, at that time, European people found my suggestion ridiculous, declaring these effects relevant only to Japanese people, not to Westerners. However, today, I can point out clear influences from Japanese animations and mangas on various behaviours including gesture, facial expression and onomatopoeia. Emoticons have become very familiar and young people are influenced by their appearance throughout their activities on social medias.

In general, socio-cultural studies focusing on Kawaii culture and the infantility of Japanese contemporary fashion deal with extreme style such as Lolita or Gothique Lolita. Then there are studies of radical or eccentric cultures such as Cosplay. In my opinion, Japanese pop culture is something like “air” surrounding us daily and its penetration into foreign cultures is absolutely significant. In my report, I attempt to theorize a study of traversing cultural borders, focusing not only on extreme style but also a fashion loosely accepted and appreciated by ordinary people.


ジャン=ポール・ゴルチエのファッション / Aesthetic consideration of virtuality and physicality of human body With reference to the fashion designs of Jean-Paul Gaultier

 ジャン=ポール・ゴルチエ(Jean-Paul Gaultier, 1952-)のファションについて、とりわけ身体表象におけるヴァーチャル性とフィジカル性について発表します。9月19日のお昼の発表です!ぜひ聞きに来てください!マドンナ(Madonna)も身につけた歴史的なコーンブラ(Cone Bra)や裸に裸を纏うドレスについて考察します。 

スクリーンショット 2014-09-13 15.59.14


Aesthetic consideration of virtuality and physicality of human body
With reference to the fashion designs of Jean-Paul Gaultier

Jean-Paul Gaultier, born in 1952, French Haute Couture and Pret-a-Porter couturier, never received formal training for his profession. His diverse, innovative, provoking fashion, radically explores critical issues like sexuality when putting up against conventional Haut Couture. Unfortunately his works have not been correctly evaluated partly because of an excessively provocative slogan. People lose sight of the most interesting aspects of Gaultier’s expression. What I attempt to revaluate is his designs concerns his manner of representing the human body as a way to radically influence our body consciousness.

In his work, the human body is often both abstracted and concretized. These strong, opposite expressions are present simultaneously. “Abstraction” means human body represented as numerical/digital information while “concretization” means vivid existence in a real, physical sense. Today, the human body seems to be becoming an increasingly informational object. People have very detailed numerical knowledge about the body. In addition, technological developments allow us to construct our body image in a way similar to androids or robots.Virtual images settle progressively in our mind. “Skin Series”, where Gaultier used three identical models, illustrate clearly this observation. Each piece represents muscle, blood vessels and bones. His illustration shows a kind of simplification to figure these organs and everyone will understand what he represents. However, in spite of their closeness, these organs will never be visually familiar to us. Our awareness is drawn to them only during specific occasions like an accident or an injury. Advanced medical knowledge and detailed anatomical knowledge have given us a typical human body image. In short, a reconstructed body through new technologies is very different from a real body, accompanied with smell, perspiration and weight.

Furthermore, Gaultier is one of the first couturier to appoint atypical/untraditional fashion models. Today, the an unusual body seen on the catwalk no longer causes sensation because we have become accustomed to this kind of surprise, seeing various models, large, small and different. However, at the time Gaultier first introduced this idea, it caused a scandal amongst the conservative realm of Haut Couture.

What I attempt to theorize in my presentation is the modern relationship between virtual image and the true, physical human body in order to understand the reality of contemporary fashion concerning body consciousness and physical perception.